Seis voces en arcilla: explorando la identidad, el lugar y el proceso

En la Corrie Bain International Ceramics School creemos que la arcilla expresa mucho más que forma y función: también guarda historias sobre quien la trabaja, su práctica y sus fuentes de inspiración. Con motivo del Black History Month, presentamos a seis ceramistas cuyas prácticas dialogan con la identidad, el lugar, el patrimonio y la materialidad de la propia arcilla. Proceden de toda la diáspora africana y del continente, y su obra muestra cómo la cerámica puede ser profundamente personal y política.

Anina Major

Anina Major es una artista visual nacida en Nassau (Bahamas) cuya obra investiga el yo, el lugar y el desplazamiento a través de la cerámica, el tejido y la instalación. Su técnica de “trenzar” arcilla (o tejer tiras de arcilla) se inspira directamente en el trenzado de paja que presenció mientras crecía, especialmente el de su abuela, que hacía cestas para vender en el mercado de paja. En una entrevista, Major profundiza en el tema del tejido en su trabajo:

«Me gusta el gesto simbólico de tejer y lo que significa para los vendedores de paja bahameños que trabajan de esta manera. Pienso en cómo se trata de una performance mucho más amplia. Cuando miras la historia de ese oficio y cómo está infravalorado incluso por las personas que lo practican, quise buscar otras formas en las que pudiera ser significativo. Me interesa cómo este acto o lenguaje del tejido puede comunicar de maneras que no se han intentado antes.

Se cree que la historia de esta técnica proviene de personas esclavizadas que fueron transportadas de África al Caribe. Así que, cuando pienso en el hecho de que este lenguaje o este gesto del tejido tiene una historia estratificada en sí mismo, eso me fascina. Me fascina mi linaje con ello y cómo puedo usar esa técnica para hablar de mis experiencias vividas sin palabras».

La obra de Major está arraigada en la nostalgia, la identidad y la tensión de vivir lejos de un lugar por el que se siente profundamente. Sus piezas abarcan desde vasijas de mano hasta instalaciones y performances de gran formato. El método de tejer la arcilla, combinándola con fragmentos, conchas, vidrio marino o cerámica triturada, da lugar a obras que hablan de permanencia, fragilidad, pérdida y restauración.

Lee más sobre su obra.

Adeoti Azeez Afeez

Desde Nigeria (estado de Oyo, trabaja en Lagos), Adeoti Azeez Afeez es un ceramista que se centra en el esgrafiado: raspar una superficie de arcilla recubierta con engobe para revelar colores contrastantes debajo.

Su obra está modelada por la herencia yoruba y la reflexión personal, usando motivos tradicionales y elementos figurativos para conectar el tema con el medio. Por ejemplo, en un jarrón representó a su madre mediante esgrafiado, dibujando su imagen como una forma de situar a la mujer y a la tierra como fuentes de vida.

«Mi trayectoria como ceramista del esgrafiado gira en torno a la intrincada danza de revelar colores contrastantes sobre arcilla recubierta con engobe», explica. «A través del delicado arte del rayado cruzado, doy vida a mis obras, infundiéndolas de profundidad, tono y claroscuro. Mi inspiración artística es una fusión de dos fuerzas poderosas: mis raíces yoruba y una profunda autoconciencia. Extraigo del rico tapiz de las tradiciones yoruba, incorporando elementos de identidad e introspección en cada pieza. Este juego entre lo cultural y lo personal impregna mi arte de una vitalidad única, tendiendo puentes entre el patrimonio y la autoexpresión».

Sus piezas suelen presentar una rica textura, un marcado patrón y contraste, y a menudo yuxtaponen un vocabulario visual tradicional con formas contemporáneas. Invitan al espectador a ver tanto lo visible como lo revelado: la superficie y la profundidad.

Mira más de su trabajo en Instagram.

Chris Bramble

Chris Bramble es un alfarero y artista cerámico afincado en Londres cuya obra combina formas torneadas, modelado a mano, tallas y elementos figurativos. Su práctica está informada tanto por su herencia africana como por tradiciones visuales europeas.

Tras graduarse en la Glasgow School of Art, Bramble pasó una temporada en Zimbabue, donde trabajó en un taller aprendiendo a tallar piedras semipreciosas. «Esto alimentó mi práctica cerámica cuando regresé a Inglaterra», explica. «Mi trabajo se volvió más figurativo y empecé a combinar elementos escultóricos construidos a mano con piezas torneadas. Considero cada pieza que hago como algo individual, así que no hay un proceso mental rígido; es muy orgánico».

Sus piezas a menudo incluyen rostros o torsos esculpidos que emergen de vasijas, o formas con incisiones decorativas, patrones y motivos que aluden a aspectos ocultos de la cultura negra y a la experiencia vivida. Describe su proceso como meditativo: capturar el ritmo, el espíritu, el latido de las personas a su alrededor. «Me inspira la vida cotidiana», explica, «y me encanta trabajar junto a todo tipo de gente. Esto me llevó a montar un estudio en Londres para compartir mis habilidades con otros y, con el tiempo, trabajar con mi hija. Para mí, enseñar es tan importante como mi propia práctica y mi mayor recompensa es ver triunfar a quienes he enseñado».

Para Chris, la arcilla no es solo forma, sino diálogo: entre culturas, entre el creador y la comunidad, entre maestro y alumno.

Ve más de su trabajo en su sitio web.

Syd Carpenter

Syd Carpenter es una escultora y ceramista afroamericana cuya obra a menudo dialoga con el paisaje del jardín y con temas de cuidado y crianza. Inspirada por su madre y su abuela, ambas maestras jardineras, su trabajo responde a las granjas y los jardines afroamericanos.

«Empecé a observar los jardines y a los jardineros y a pensar: bueno, ¿cuál es mi historia como afroamericana en la tierra de este país?» explica Syd. «Y eso es realmente importante porque hay ideas preconcebidas sobre los afroamericanos en la tierra, principalmente en torno a la cuestión y la situación de la esclavitud. Y después de eso, estuvo la aparcería. Así que, en general, estar en la tierra se asociaba a una experiencia negativa. Y yo sabía, por mi abuela y por mi madre, que estar en la tierra, tener su propia tierra y producir alimentos y jardines ornamentales era algo que les aportaba mucha alegría. Así que sabía que ese [sufrimiento] no podía ser el caso de todo el mundo».

Para Carpenter, el jardín no es solo escenario, sino metáfora: habla del refugio, de las contradicciones en aquello que parece tranquilo pero contiene vida, decaimiento, tensión. «Piensas en un jardín como un refugio de belleza y orden», dice. «Pero hay problemas de la vida real desplegándose. Ruptura. Discordia. Violencia. Todas esas cosas que no esperarías que ocurrieran en un jardín». Sus jarrones y vasijas suelen presentar formas que aluden al movimiento y a la vida, a las relaciones internas entre naturaleza, familia y memoria. Detalles concretos de las distintas granjas que visitó en su investigación son seleccionados y capturados en arcilla.

La obra de Carpenter tiende puentes entre lo funcional y lo escultórico y guarda historias de cuidado: cuidado de la enfermedad de un hermano, cuidado de la tierra, cuidado de las historias. El jardín se convierte en un lugar de testimonio y supervivencia.

Mira más de su obra aquí.

Ranti Bam

Ranti Bam, nigeriana de nacimiento y afincada en el Reino Unido, crea vasijas de marcada textura, a menudo coloridas, que suelen combinar bases torneadas con trabajo de planchas y piezas en collage; pero su camino hacia la cerámica fue sinuoso.

Bam siempre supo que quería hacer cosas y pensó que un curso de diseño era la mejor manera de lograrlo. Tras su máster de investigación en proyectos, se inscribió en un curso de cerámica en City Lit, en Londres. «Estoy muy contenta de haber encontrado el material con el que expresarme», dice. «Para mí, la arcilla es algo metafísico. Es un regalo».

Su obra hace referencia a patrones textiles, al trabajo con engobes y a engobes coloreados, y se inspira en la conexión y la comunicación. «Hablamos para abarcar nuestras experiencias en algo tangible, para compartir. Mi trabajo contiene metáforas que puedo mostrar a los demás», explica. A menudo trabaja de manera intuitiva: «Se trata de decirle a la arcilla: “¡muéstrame de qué eres capaz! ¿Adónde podemos ir juntas?”», dice. «Para mí es importante poder trabajar con libertad, con rapidez y dejar que las cosas fluyan».

Su trabajo pone en primer plano la narrativa y examina la semiótica de lo femenino a través del prisma de tradiciones artesanales tomadas de Lagos, Londres y más allá. Sus superficies pueden quedar sin esmaltar o ligeramente esmaltadas; las texturas evocan el tejido, el movimiento y el cuerpo. Bam lleva sus materiales al límite (por ejemplo, cociendo la terracota a alta temperatura y usando engobes/tintes) para acentuar no solo el color, sino también la cualidad táctil, la calidez y una sensación de vida.

Mira más de su trabajo en Instagram.

Winnie Owens-Hart

Winnie Owens-Hart es una ceramista y docente cuya obra está profundamente influida por las tradiciones alfareras de África Occidental —en particular técnicas de Nigeria y Ghana—, y también moldeada por la exploración de la forma, la memoria cultural y la identidad. Estudió cerámica en el Philadelphia College of Art, pero se sintió frustrada por lo limitado del plan de estudios. «Mi misión entonces, a mis veintipocos, era visitar todos los países del continente africano», recuerda, «luego traer toda la información de vuelta y que supieran que en la cerámica había algo más allá del arte asiático y de Wedgwood».

Sus aprendizajes en Nigeria y Ghana marcaron su enfoque técnico para construir vasijas, y su obra explora tradiciones afroamericanas y temas sociales, tanto personales como universales. En una serie de larga duración, Little Women, aborda la mutilación genital femenina junto con el consuelo y el duelo. «Dejaré de hacerlas cuando dejen de mutilar a las mujeres», afirma Owens-Hart, «pero tratan de algo más que eso. En algunos casos están diseñadas para que, si las empujas un poco, se balanceen. Las mujeres mecen a sus bebés para calmarlos y mecen su cuerpo cuando están de luto. Tratan de cosas que las mujeres hacen en todo el mundo».

Otra serie se titula African American Women. Estas obras escultóricas de gran formato suelen presentar figuras parciales y exploran la historia, la tradición y la memoria desde una perspectiva personal y también social.

Explora su obra aquí.

La arcilla como medio de expresión

Lo que conecta a estas creadoras y creadores va más allá de la raza o el bagaje cultural: es la forma en que cada quien utiliza la arcilla no solo para hacer vasijas o formas, sino para transmitir narrativas y preservar una herencia cultural. Llevan el linaje, las historias interrumpidas, la vida cotidiana, la emoción y el lugar a su obra cerámica.

Para el alumnado y las personas que crean en Corrie Bain, hay lecciones de técnica, de intención y de cómo la identidad puede quedar incrustada en la forma:

• Escuchar a los materiales: muchos de estos artistas hablan de dejar que la arcilla “haga lo que quiere”; trabajar de manera intuitiva y abrazar la imperfección.

• Superficie, escultura y huella comunican significado: esgrafiado, talla, textura, conchas, fragmentos: todas estas superficies portan simbolismo.

• Transmisión: muchos combinan la creación con la docencia, el trabajo comunitario y la preservación de tradiciones artesanales.

• Equilibrio entre utilidad y escultura: muchas obras habitan ese umbral entre el objeto que se usa y el objeto que se contempla.

Estas y estos artistas trazan ya un territorio más rico y matizado de la práctica cerámica negra. Esperamos que te inspire a explorar su trabajo, reflexionar sobre tu propia práctica, plantearte preguntas sobre identidad, lugar y narrativa, y explorar cómo la arcilla puede actuar no solo como material, sino como un medio de memoria y pertenencia.